Александр Бенуа (1870-1960), Санкт-Петербург — Париж


Александр Николаевич родился 3 мая 1870 года в г. Санкт-Петербург. В семействе Бенуа к любому виду творчества относились трепетно, стараясь развивать обозначившийся талант. Отец художника, Николай Леонтьевич Бенуа был потомком бежавших в Россию от революции французов, занимал должность академика архитектуры. Его брат, Леонтий, был художником и музыкантом. Мать художника Камилла Альбертовна, происходила из итальянского рода Кавос. Ее дед состоял капельмейстером русской и итальянской оперных трупп и написал немало музыкальных произведений.
маленький художник
Александру Бенуа 5 лет. Париж, 1875 г.

Образование


Рисовать Александр Николаевич начал еще в детстве, проходя обучение в частном детском садике. С 1885-1890 гг. Бенуа учился в частной гимназии Мая К. И., где сдружился с рядом талантливых молодых людей, позднее составивших основу общества «Мир искусства». Речь идет о Сомове К., Нувеле В., Философове Д. (двоюродный брат С. П. Дягилева), Баксте Л.
юноша-художник
В студенческие годы

В семье Бенуа придерживались традиций консервативное искусства, в то время как Александр приветствовал отступления от академического мастерства. Был период в жизни молодого художника, когда он, будучи гимназистом, стал посещать вечерние классы Академии Художеств. Но вскоре разочаровался, и после окончания гимназии решил пойти учиться на юриста. А своим учителем живописи выбрал старшего брата Альберта, прекрасного акварелиста, дополнив обучение самостоятельно составленной программой с упором на изучение истории искусств.

Первые попытки заявить о себе


В 1893 году (23 года) Бенуа впервые выступил со своими работами на отечественной выставке «Общества акварелистов».
картины про Париж
Версаль, 1898

Однажды Бенуа попалась в руки книга Р. Мутера «История живописи», и по прочтению обнаружилось, что в работе автора нет ни строчки о живописи русской. Тогда молодой человек, движимый чувством справедливости, написал Мутеру письмо, особо не рассчитывая на ответ. Каково же было удивление Бенуа, когда писатель написал ему, честно признавая тот факт, что совсем не знаком с русской живописью. Он предложил Александру самому написать статью по недостающей теме, которая в следующем издании будет включена в книгу. Бенуа справился с работой блестяще — так состоялся его первый опыт в деле искусствоведения. Позже текст перевели на русский язык и напечатали в российских журналах. Бенуа сразу привлек к себе внимание, прежде всего, как практик и теоретик в одном лице.

«Мир искусства»


В 1898 году Бенуа с единомышленниками (К. Сомов, В. Нувель, Д. Философов, Л. Бакст, М. Добужинский, Е. Лансере) создает журнал «Мир искусства». О целях журнала сам Александр Николаевич говорил так:

«Нами руководили не столько соображения «идейного» порядка, сколько соображения практической необходимости. Целому ряду молодых художников некуда было деваться. Их или вовсе не принимали на большие выставки — академическую, передвижную и акварельную, или принимали только с браковкой всего того, в чем сами художники видели наиболее явственное выражение своих исканий… И вот почему Врубель у нас оказался рядом с Бакстом, а Сомов рядом с Малявиным. К «непризнанным» присоединились те из «признанных», которым было не по себе в утвержденных группах. Главным образом, к нам подошли Левитан, Коровин и, к величайшей нашей радости, Серов. Опять-таки, идейно и всей культурой они принадлежали к другому кругу, это были последние отпрыски реализма, не лишенного «передвижнической окраски». Но с нами их связала ненависть ко всему затхлому, установившемуся, омертвевшему».

Кустодиев, "Мир искусства", Бенуа
Кустодиев Б. М. Групповой портрет художников общества «Мир искусства»

Живопись Бенуа


Бенуа практически всегда отдавал предпочтение пейзажной живописи. Его первые самостоятельные работы (1892-1895) представляют собой цикл изображений Павловска, Петергофа, Царского Села, уголков старого Петербурга, а также городов Германии и Швейцарии, их старинных кварталов и памятников архитектуры. Позднее, уже зрелым мастером, Бенуа исполнил серии пейзажей Версаля, к которому много раз возвращался (1896, 1897, 1898, 1905, 1906, 1907, 1914), Петергофа (1900), Ораниенбаума (1901), Павловска (1902), Рима (1903), Венеции (1912).
живопись Бенуа
Версаль. Фонтан Бахуса зимой. 1905 г 
картина русского художника
мост городской
архитектура на картинах

Во всех этих сериях преобладают изображения исторических местностей, дворцовых парков и произведений искусства. Природа интересовала художника главным образом в ее связи с историей. Лишь впоследствии, среди работ 1911-1916 годов начали возникать чисто пейзажные циклы акварелей, изображающих природу Италии, Швейцарии и Крыма.
желтые горы

Работа Бенуа в театре


Дебют Александра Бенуа как театрального художника состоялся в 1902 году, ему доверили оформить постановку оперы Р. Вагнера «Гибель богов» на сцене Мариинского театра. В 1903 году он занимается эскизами декораций к балету Н. В. Черепнина «Павильон Армиды».
Декорации А. Бенуа к опере «Гибель богов» на сцене Мариинского театра

Именно Бенуа принадлежит идея создания частной балетной труппы, начавшей в 1909 году триумфальные выступления в Париже – «Русские сезоны». В труппе он занимал пост директора по художественной части. Роль Дягилева С., с именем которого неизменно связывают успех «Русских сезонов», скорее в успешном администрировании, умении завязывать знакомства и решать финансовые вопросы.
театральное убранство
Декорации к балету «Петрушка»

Бенуа-иллюстратор


Помимо прочего Бенуа является одним из самых активных деятелей художественного движения, возродившего в России искусство книжной графики. Первые пробы на этом поприще пришлись на «Пиковую даму» Пушкина, иллюстрации Бенуа вошли в трехтомное собрание сочинений Пушкина. В 1904 году им единолично была иллюстрирована «Азбука в картинках».

Лучшей из книжных работ художника считаются рисунки к «Медному всаднику» Пушкина. Цикл первого варианта состоит из 32 рисунков тушью и акварелью, имитирующих цветную гравюру на дереве.

Бенуа-иллюстратор
иллюстрация к поэме «Медный всадник»

После революции


С 1917 по 1926 год Бенуа заведовал Картинной галереей Эрмитажа, т.е. был государственным служащим. В 1921 году были арестованы два брата художника — Леонтий и Михаил. В 1926 году художник уехал в Париж для оформления спектакля в «Гранд-опера» и больше не вернулся в большевистскую Россию.
На новой родине Александру Бенуа ничего значительного уже создать не удалось. Единственным наследием этого периода стали его мемуары о детстве и юности, о периоде «серебряного века», с его идейными поисками и становлением.

Умер Александр Николаевич в 1960 году во Франции, прожив почти 90 лет.

Коровин Константин Алексеевич (1861-1939), Москва — Париж

Коровин К. А. Терраса. Вечер на даче. 1901.
Коровин К. А. Терраса. Вечер на даче. 1901.

Коровин Константин Алексеевич — русский художник, декоратор московских императорских театров, педагог, а также автор мемуарной прозы. В разгар популярности искусства передвижников, с их стремлением к реализму и назидательности в живописи, Коровин предпочел идти своим путем, развивая стиль, получивший во Франции название импрессионизм.

Год и место рождения, происхождение

Константин Алексеевич Коровин родился 5 декабря (23 ноября) 1961 года в Москве. Предки его были людьми состоятельными: дед, Коровин Михаил Емельянович, купец 1-й гильдии, владелец ямского извоза оставил сыну Алексею значительное состояние. Мать художника, Аполлинария Волкова, происходила из дворянской среды и была женщиной образованной, придерживалась передовых взглядов.

«Прадед мой, Емельян Васильевич, был родом из Владимирской губернии, Покровского уезда, села Данилова, которое стояло на Владимирском тракте. Тогда не было еще железных дорог, и эти крестьяне были ямщиками. Говорилось — «гоняли ямщину», и не были они крепостными.»
Автобиографические рукописи. Константин Коровин вспоминает. Моя жизнь.

С распространением в России железных дорог ямской извоз перестал быть востребованным, и финансовое положение семьи Коровиных сильно пошатнулось. Перемены в благосостоянии пришлись на время юношества будущего художника, который, впрочем, судя по воспоминаниям, готов был и добровольно отказаться от суеты города и роскоши дедовского дома, лишь бы жить среди простых людей, ближе к природе. Природа его завораживала.

Однако, крах страго уклада жизни сильно повлиял на главу семейства Коровиных. Алексей Михайлович вынужден был продать с молотка отцовский дом и перебраться вместе с семьей в более скромное жилище. Он устроился работать заводским учетчиком, но вскоре впал в состояние тяжелой меланхолии и, не справившись с депрессией, покончил жизнь самоубийством.

Образование

По воспоминания Коровина, первым учителем его был некий Петр Афанасьевич, приглашенный родителями для обучения своего ребенка необходимым его возрасту знаниям. Небольшого таланта педагог оказался, ко всему прочему, неблагонадежным человеком, и от его услуг Коровиным вскоре пришлось отказаться. Тем не менее Константин самостоятельно много читал и рисовал, будучи активно поощряем в этом увлечении матерью.
Несмотря на постигшее семью Коровиных разорение и прочие трудности, Костя в возрасте 13 лет выдерживает вступительные экзамены и поступает в Московское училище зодчества, ваяния и живописи. Его приняли на архитектурное отделение, которое он без колебания оставил через пару лет, отдав предпочтение классу живописи. Наставником его на новом месте стал А. К. Саврасов.
В училище он обучался также под руководством таких видных художников, как Перов В., Поленов В. Д., Сорокин Е. С., и уже в этот период зарекомендовал себя как перспективный художник с собственным взглядом на творчество.
По завершении учебы в училище Коровин поступает в Санкт-Петербургскую Академию художеств, но скоро оставляет ее, разочаровавшись, в методике преподавания, царившей в академии в те годы.

Дебют

женский портрет
Коровин К. А., Хористка. 1883.

Заявил о себе в культурном обществе Коровин «Портретом хористки» (1880-е). Незамеченным его дебют не остался, т.к. выбранные им цветовое решение, техника и замысел картины сильно отличались от привычных тогда приемов в живописи. Несмотря на, по большей части, отрицательные отзывы своих работ, в живописи Коровин остался верен себе.
Спустя четыре года после «Хористки» Коровин окажется в Париже и узнает, что им используемый стиль здесь весьма популярен и даже имеет название — импрессионизм, суть которого заключалась в отображении на холсте впечатления художника от момента. Так, Коровин стал новатором целого направления в России, не зная о его возникновении в Европе.

«Никакой кладки вкусной краски быть не должно. Быть должно самое точное сочетание тонов и работа от чувства и увлечение. Невольно должна быть выражена сумма впечатлений и чувствований». Коровин К. А.

парижский вечер
Коровин К. А., Париж.

В Париже Коровин бывал не единожды и здесь были созданы им одни из лучших произведений, посвященные старому городу. Темпераментный, яркий, пестрый Париж — таким его «почувствовал» Коровин.

Абрамцево, поездка на Север

художественное объединение
«Абрамцевский кружок»

Савва Мамонтов был не столько удачливым предпринимателем, сколько художником по натуре. Он имел возможность воплощать свои творческие замыслы, привлекая к сотрудничеству артистов и художников. Принципиально новым, рискованным и смелым проектом Мамонтова стало открытие первого в России частного оперного театра. Внешняя составляющая каждого грядущего представления (декорации, костюмы) воплощалась, по инициативе Мамонтова, талантливейшими художниками того времени: В. Поленовым, В. Васнецовым, а позже И. Левитаном и К. Коровиным, Серовым В. и М. Врубелем.

Константин Коровин был человеком компанейским, с живым, открытым характером, и он очень быстро сошелся с жизнелюбом и эстетом Саввой Мамонтовым. Работой в театре их сотрудничество не ограничилось, вскоре Константин Алексеевич стал вхож и в дом Мамонтова в Абрамцево, где собиралась вся культурная и творческая элита Москвы того времени. Так, своеобразный коллектив творческих личностей, состоящий из скульпторов, художников, музыкантов, негласно оформился в «абрамцевский кружок».

В 1894 году Савва Иванович Мамонтов совершил рабочее путешествие на север России и по прибытии уговорил поехать в следующую свою поездку художников Константина Коровина и Валентина Серова. Им предстояло добраться до Архангельской губернии – по Белому морю и Кольскому полуострову, и далее направиться в Швецию и Норвегию.
Лаконичность, сдержанность, скудность колорита в природе Русского Севера — все это произвело неизгладимое впечатление на художников. Савва Иванович оказался прав, поделившись мыслью в письме супруге во время первой своей поездки на Север, что Коровин «плакал бы от восторга, смотря на эти светлые чудные тона, на этих берендеев. Какая страшная ошибка искать французских тонов, когда здесь такая прелесть».

В 1896 году Мамонтов поручил Коровину оформить в рамках темы Русский Север павильон на Нижегородской ярмарке. Чтобы вдохновиться и набросать этюды к предстоящей серьезной работе, Савва Иванович снова снарядил Константина Алексеевича в поездку на север — в Мурман.
На этом оформление выставок не закончилось в жизни Коровина. В 1900 году художнику доверят оформление русского отдела на всемирной ярмарке в Париже. За проделанную работу Коровин получил множество наград, в том числе и орден Почетного легиона.

Сотрудничество с частным театром Мамонтова Коровин прекратил в 1900 году. После того как Савва Иванович был арестован по обвинению в растрате казенных средств. Театр его, и ранее нуждавшийся в сторонней финансовой подпитке, оказался в плачевном состоянии. Семейному человеку, типа Коровина, рисковать финансовым благополучием было не с руки, и он поддался уговорам управляющего Имперскими театрами В. Теляковского стать декоратором главных театров страны.
C 1901 года Коровин начинает преподавать в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где когда-то обучался сам.

В смутное время

20-й век в России начался с серьезных перемен, но тем не менее художник Коровин Константин Алексеевич по-прежнему плодотворно трудится. Он востребован как педагог, как декоратор, как живописец. С 1910 года Коровин часто посещает Крым и, в конце концов, облюбовав местечко на южном его берегу, принимается там за строительство дома.
Вплоть до 1917 года «Саламбо» — так называл художник виллу в Гурзуфе — место силы для Константина Алексеевича. Здесь он укрывался и восстанавливался от неурядиц в личной жизни, от горя потери близких друзей, болезни сына. Здесь им были написаны много чудесных работ.

Страшное время Первой мировой войны Коровин переживал вместе с родиной. Он активно сотрудничал со штабом русской армии, помогая решить вопросы усовершенствования маскировки военных.
1917 год полностью перевернул жизнь Коровина. Дачу в Охотине отобрала новая власть, вилла в Гурзуфе стала базой отдыха для советских граждан, квартиру в столице «уплотнили». Руководство в Большом театре поменялось, им были привлечены новые художественные деятели, а Коровин оказался не у дел.

В 1923 году Константин Коровин с семьей переезжает в Париж. Работы здесь было мало, художник отчаянно нуждался в деньгах, чтобы содержать больную жену и сына-инвалида. Ко всему прочему начались проблемы со зрением. Однако Константин Алексеевич не дает унынию поразить себя. Он начинает записывать свои воспоминания. И снова, теперь уже на листах бумаги, появляется все тот же Костенька Коровин, мастерский рассказчик, душа компании, и делится впечатлениями от когда-то виденного и прочувствованного им. В итоге, в эмигрантских изданиях Парижа было опубликовано более 400 рассказов Коровина.

Личная жизнь. Уход

жена художника
Анна Фидлер, супруга Коровина К.

В личной жизни Коровина было все не так уж просто. Официально он был женат на Фидлер Анне Яковлевне, хористке частной оперы С. Мамонтова. Первый сын у пары умер, но спустя время Анна родила еще мальчика, которого назвали Алексеем.
Неофициально у Коровина была еще одна жена — Комаровская Надежда Ивановна, драматическая актриса. О художнике она написала книгу воспоминаний «О Константине Коровине».

Большая трагедия случилась с сыном Коровина Алексеем. Из-за неразделенной любви он бросился под трамвай и после полученных травм лишился ступней ног. Человек творческий, неустойчивый, ставший также как и отец художником, он время от времени страдал приступами депрессии (впрочем, как и дед, как и дядя, брат Константина Алексеевича, Сергей Алексеевич, также художник). В 1950 году не выдержав очередного наплыва хандры, Алексей покончил жизнь самоубийством.

сын художника
Алексей Коровин, сын К. А. Коровина

Внешне жизнелюбивый, широкой и открытой души человек, Коровин под конец жизни переживал страшное чувство одиночества, находясь далеко от родины, лишенный привычного образа жизни, круга любимых друзей. Сила духа не оставляла его, ответственность за семью крепко держала и не давала усомниться в желании жить.
В 1939 году в Европу пришла война. 11 сентября во время воздушной тревоги у Константина Коровина не выдержало сердце. Русский художник скончался на одной из парижских улиц. Ему было 77 лет.
Сейчас могила Коровина находится на православном кладбище в Сент-Женевьев-де Буа.

«Человек! Если ты будешь молчать, то тебя осудят всячески. Если ты будешь говорить, хотя и верно, то тебе будет завидовать четверть окружающих, то есть, значит, будет ругать; четверть тебя будет ругать за что и где тебя нужно ругать; четверть будет не соглашаться потому, что она будет хотеть показать, что имеет свое мнение; четверть не поймет, эта тоже будет не согласна и будет говорить о тебе ерунду. Вывод — человека вон!» Коровин К. А.

Якунчикова Мария Васильевна (1870-1902), Висбаден — Шен-Бужери

Якунчикова Мария Васильевна (Вебер в замужестве) — русская художница конца 19 века. В отечественном искусстве она одна из первых обратилась к символизму и модерну. Занималась графикой и прикладным искусством (в частности, ею была разработана техника выжигания рисунка по дереву с последующим нанесением красочного слоя), также Якунчикова профессионально освоила технику цветного офорта.

линогравюра
Непоправимое (1893-1895)
работы Якунчиковой
Влажный январь в Медон, 1898 г. Выжигание по дереву и масло.
работы художницы
(1893-1895), бумага, цветной офорт.

Происхождение

Мария Васильевна родилась 19 января 1870 года в семье богатого московского промышленника — Василия Ивановича Якунчикова. Мать Марии, Зинаида Николаевна, принадлежала к богатой купеческой династии Мамонтовых, знаменитой своим покровительством искусству и хорошо разбиравшимся в нем. Сама Зинаида Николаевна отлично играла на фортепиано, и устраивала музыкальные концерты в своем доме.

Образование

В семье Якунчиковых большое внимание уделялось образованию, в связи с чем Мария помимо основных занятий брала уроки музыки и живописи. И если музыку пришлось оставить по состоянию здоровья, то живопись стала делом ее жизни.

Рисунок и живопись Мария изучала с детства, причем преподавателями ее всегда были профессиональные художники. В 15 лет (1885 год) Якунчикова вольнослушателем стала посещать Московское Училище живописи, ваяния и зодчества. Навыки свои она закрепляла также, посещая рисовальные вечера художника Василия Поленова, который, кстати сказать, был супругом ее старшей сестры.

Дальнейшее художественное образование Якунчикова получала уже в Париже, куда уехала в 19-летнем возрасте по настоянию врачей, рекомендовавших ей сменить климат по причине диагностированного туберкулеза. Мария отучилась четыре года в знаменитой академии Жюлиана, работая там в мастерской Вильяма Адольфа Бугро и Тони Робер-Флёри. На протяжении всей своей оставшейся жизни на родину приезжала она только в летний период. Здесь, усадьбы Абрамцево (Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова) и Введенское, стали излюбленными местами Якунчиковой для творческой и плодотворной работы.

В 1891 году впервые талант Марии был оценен по достоинству Третьяковым П.М., приобретший для своей коллекции ее картину «С колокольни Саввино-Сторожевского монастыря близ Звенигорода».

Творческая жизнь в Европе

Обосновавшись в Париже, Якунчикова с большим интересом посещает местные музеи и художественные выставки. Много читает по теме искусства и стремится для себя обосновать его значение в жизни людей, определиться с собственной позицией относительно перемен в художественной среде. Ее все больше привлекает декаданс и символизм.

Академию Жюлиана Мария оставила в 1892 году, когда поняла, что учиться там ей больше нечему. В этом же году она открыла собственную мастерскую, после чего последовало активное в творческом плане десятилетие в жизни художницы Марии Якунчиковой.

творчество Якунчиковой-Вебер
За этюдом. 1898-1890

В этот 1892 год Мария берет уроки по созданию офорта (разновидность печатной графики, гравюры на металле, основанной на технологии глубокой печати) и добивается серьезных успехов в этом деле. Постепенно в творчестве у нее вырабатывается собственный, узнаваемый, стиль в рамках популярного тогда модерна.

В 1894 году Якунчикова принимает участие на выставке Салона Марсово поле с картиной «Отражение интимного мира».

В 1895 году Мария Якунчикова увлекается выжиганием по дереву с последующей росписью красками. Создает в этой технике несколько панно, отличающиеся некой особой пронзительностью восприятия. Убедитесь сами на изображении ниже.


Выжженные панно «Окно» и «Весло» в 1897 году Якунчикова представляет на очередной выставке Салона Марсова поля. В этом же году она начнет осваивать оформление книжек.

Вообще, 1897 год стал очень плодотворным годом для Якунчиковой. Именно тогда ею были созданы одни из лучших работ: «Свеча. Задувает», «Чехлы», «Церковь в старой усадьбе. Черемушки близ Москвы».

В 1898 году Сергей Дягилев обращается к Якунчиковой с пожеланием украсить обложку «Мира искусств» ее эскизами, близкими по духу стилю модерн, который, собственно, авторы этого журнала активно и «продвигали» в России, как новое, прогрессивное веяние в мировом искусстве.

В 1900 году в Париже была проведена Всемирная художественно-промышленная выставка. Якунчикова не осталась в стороне от этого знаменательного события и приняла участие в оформлении Кустарного отдела Русского павильона, а также экспонировала там и свою работу: большое вышитое с элементами аппликации панно «Девочка и Леший». Однако серебряную медаль получило другое выставочное предложение Якунчиковой — полочка-лавочка для народных игрушек, выполненная по ее эскизам.

сказочная картина
«Девочка и Леший».
портрет художницы
За работай.

Якунчикова и Поленова, Пикок.

В 1897 году в Париже Якунчикову навещает художница Елена Поленова, которая до самой своей смерти (1898 г.) была одной из немногих ее близких подруг-единомышленниц. В какой-то мере Поленова оказала влияние на дальнейшее развитие творческого потенциала Марии. Благодаря ей Мария увлеклась фольклорными мотивами, а также декоративно-прикладным искусством.
Отдельно стоит сказать о Нетте Пикок, англичанке прогрессивных взглядов, с которой были очень дружны Якунчикова и Поленова. Нетта не была художницей, но была активным общественным деятелем, ратовавшим за права женщин и вообще за защиту всех угнетенных.
Знакомство в Париже с русскими малоизвестными художницами для Пикок стало открытием и ее энергичной натуре потребовалось поделиться этим со всем европейским миром. В частности, она устраивала во французских, немецких и английских журналах публикации, посвященные деятельности Якунчиковой и Поленовой.

Нетта Пикок
Нетта Пикок

Поленову Елену Дмитриевну Пикок обозначила «направляющим и просвещающим духом небольшой группы московских художников, успешно обративших свое внимание на декоративное искусство, так что порожденное ими движение, скорее всего, будет приобретать все больший вес и должно рано или поздно распространить свое влияние за пределы собственной страны», что, собственно, и произошло после Всемирной выставки 1900 года, когда Европа вдруг «открыла» для себя Россию, и на несколько десятилетий после этого все «русское» было там весьма популярно.
Якунчикову Пикок широко анонсировала В Англии и всячески содействовала продажи офортов русской художницы. Но локомотивом нового направления в искусстве Пикок признавала все же Поленову.
Однако, ранняя смерть сначала Елены Дмитриевны, а затем и Марии Васильевны, поставила точку в развитии проекта Нетты Пикок по популяризации русских художниц.

Личная жизнь

панорама
В Введенском.

В тот плодотворный 1897 год Мария Васильевна стала женой студента медицинского факультета Сорбонны Льва Вебера. Через год у них рождается сын Степан. Совсем маленьким, ему диагностируют ту же болезнь, что и у матери — туберкулез (пальца). Ребенка удалось спасти, однако силы Марии от переживаний и напряжения слабеют. И после рождения второго сына — Якова — болезнь у Якунчиковой обостряется.
Глава семейства в срочном порядке перевозит жену и детей в Швейцарию, там они поселяются в Шен-Буржери. Но дни Марии сочтены: она умерла 14 декабря 1902 г. Ей было 32 года.

Николаев Ярослав Сергеевич (1899-1978), Шяуляй — Ленинград

Николаев Ярослав Сергеевич родился 30 апреля 1899 года в г. Шяуляй Ковенской губернии. До 1906 года семья Николаевых проживали в Санкт-Петербурге, после чего переехали в Томск. Там в 1917 году Ярослав Сергеевич и окончил гимназию.

Живописью Николаев серьезно стал заниматься в 1914 году под руководством педагога Н. Смолина. Далее последовало двухгодичное обучение у Казимира Зеленовского, известного тем, что в свое время обучался у Клода Моне.

На период 1919 — 1930 г. пришелся «иркутский» период в жизни Николаева.

В 1930 году художник вернулся в Санкт-Петербург. С 1927 года стал принимать участие в выставках. С 1932 года принят в Ленинградский Союз советских художников.

В период блокады города Ярослав Сергеевич не бросил творчество. Напротив, творчество стало, своего рода, спасением в условиях голода и холода.

автопортрет Николаева
Автопортрет

Именно в этот сложнейший период Николаев встретил человека, ставшим ему верным спутником жизни. Речь идёт о Петровой Марии Григорьевне, артистке, которая была «голосом» на ленинградском радио. Ее бодрый, жизнеутверждающее выступление однажды услышал Ярослав Сергеевич, когда повсюду торжествовали голод и смерть. После из знакомства, Мария Григорьевна часто приходила к художнику позировать.

любовь художника
Петрова М. Г.

В 1943 году Мария Григорьевна и Ярослав Сергеевич поженились.

После войны Николаев некоторое время возглавлял Ленинградский Союз советских художников. В 1975 году Николаеву присвоили звание Народного художника РСФСР.

В 1978 году в возрасте 80 лет художник Николаев скончался.

Самыми узнаваемыми его картинами стали: «На Большую землю» (1945), «Ветер Родины» (1947), «На острую тему» (1954), «На всём пути народ стоял» (1957), «Портрет академика П. Куприянова» (1964), «Декрет о земле» (1967) и другие.

блокада на картинах
На Большую землю
николаев живопись
На острую тему
великая война
На всём пути народ стоял
военный ленинград
«Ленинград. Зима 1941-42 года. Очередь за хлебом» (дописана в 1943).
улицы питера
«Площадь Урицкого», 1941-1942

Волошин Максимилиан: русский поэт и художник

Волошин Максимилиан родился в Киеве 16 мая 1877 года в семье Александра Максимовича Кириенко-Волошина, юриста по роду деятельности. Мать Макса — Елена Оттобальдовна, урожденная Глазер, была женщиной волевой и неординарной. Брак супругов долго не продержался, и в дальнейшем воспитанием сына Елена Оттобальдовна будет заниматься практически единолично.

Образование

Первоначальное образование Волошин получил, занимаясь дома с гувернером. Основной упор в занятиях был сделан на гуманитарные науки. В последующем он обучался, правда, без особых успехов в гимназиях Москвы и Феодосии.
В 1893 году мать будущего поэта купила дом в Коктебеле, куда и перебралась вместе с сыном.

C мамой

В 1897 году, уступив напору родителей, Максимилиан поступил в Московский университет на юридический факультет. Собственная инициатива учиться на историко-филологическом факультете так и осталась не реализованной.
В 1899 году Волошин был исключен из университета на год за участие в «студенческих беспорядках». Однако после восстановления его учеба так и не задалась, и скоро молодой человек окончательно распрощался с так и не полюбившейся ему альма-матер.

Творческая жизнь: поэзия, переводы, живопись
молодость поэта
1896 год.

В 1890-м годом датируется первый стихотворный опыт Волошина. В 1895 году первая публикация его творчества в сборнике «Памяти В. К. Виноградова».

В период с 1898, будучи еще студентом университета, и по 1905 гг. Волошин много путешествовал («годы странствий»). Не имея в избытке средств, он часто передвигался пешком, оставался переночевать в ночлежках, и таким образом исследовал ряд европейских государств (Италия, Швейцария, Германия, Франция, Греция). Полтора месяца Волошин провел в Средней Азии.

Период с 1905 г. по 1912-й поэт назовет позже «годами блужданий». В это время он будет искать смыслы в буддизме, католичестве, увлечется оккультизмом, будет принят в Париже в масоны. В 1914 году его заинтересуют идеи антропософии.

дом в Коктебеле

Не задерживаясь на долго в одном месте, Волошин, тем не менее, был активным участником литературной жизни России. В 1907 г. поэт обосновался в Коктебеле, там он приступил к подготовке цикла «Киммерийские сумерки». Он переводит с французского на русский язык поэзию Поля Верлена, Анри де Ренье, Жозе-Марии де Эредиа, Стефана Малларме, Эмиля Верхарна и прозу Вилье де Лиль Адана, Поля Клоделя, Поля де Сен-Виктора.
В 1910 году вышел первый сборник стихотворений Волошина. В это же время он сотрудничает с журналом символистов «Весы» и акмеистов «Аполлон», все более приобретая авторитет в писательской среде

Крым
Крымский пейзаж 1925

В январе 1913 года в Третьяковской галерее была подвергнута акту вандализма картина И. Репина «Иван Грозный и сын его Иван». Этот случай всколыхнул общество. Волошин также не остался в стороне. 13 февраля он выступил в Политехническом музее с лекцией «О художественной ценности пострадавшей картины Репина», суть которой сводилась к тому, что причиной агрессивного поступка вандала стали форма и содержание самого полотна Репина. Лекция аудиторией была воспринята неоднозначно, некоторое время публикации Волошина бойкотировались издателями.

Спустя год, в 1914 г., вышла книга статей Волошина о культуре «Лики творчества». В 1915 г. — стихотворение-реакция на военные события в мире — «Anno mundi ardentis 1915» («В год пылающего мира 1915»). Свою антивоенную позицию Волошин обозначил, написав письмо военному министру, в котором отказался служить в царской армии и участвовать «в кровавой бойне».

горы на картинах
Карадаг в облаках
лунный пейзаж
Луна восходит

В эти же годы поэт плотно занялся акварельной живописью. Основной темой его работ станет Киммерийский пейзаж. Свои акварели Волошин, подобно японским мастерам, подписывал строками из своих же стихотворений. С рядом картин он принял участие в выставках «Мир искусства».
Волошина-художника принято относить к «Киммерийской школе живописи», наряду с Айвазовским, Куинджи и пр. Его акварели можно встретить в Третьяковской галерее, а также в некоторых провинциальных музеях.

Черубина де Габриак, а также дуэль с Гумилевым

Черубина де Габриак — таинственная поэтесса, представшая в русском культурном обществе в 1909 году. 9 месяцев публика не подозревала, что за этим именем скрывается никому не известная учительница Елизавета Дмитриева, и возник этот персонаж с легкой руки Макса Волошина, на тот момент уже знаменитого поэта.

Черубина
Е. Дмитриева

С Дмитриевой Волошин познакомился в начале 1909 года. Незадолго до этого Елизавета, девушка некрасивой внешности, но бесспорно талантливая и по-своему интересная, привлекла своей незаурядностью поэта Н. Гумилева. Между ними завязались весьма непростые отношения, завершившиеся летней поездкой в Коктебель, где центром притяжения людей искусства тогда был дом Макса Волошина.

Волошин был старше Дмитриевой на 10 лет, мудрее и опытнее. В итоге, девушка предпочла его Гумилеву. Отвергнутый поэт уехал из Крыма, Дмитриева осталась до осени. Именно в этот промежуток времени и появилась на свет красавица Черубина де Габриак, талантливая молодая поэтесса. 18-летняя католичка, получившая строгое воспитание в монастыре. Испанка по отцу, русская по матери, она пишет стихи, которые хотела бы публиковать в журнале «Аполлон», но находясь под бдительным контролем отца, общаться напрямую с редактором журнала Сергеем Маковским она якобы не может, а потому возможно это только посредством переписки.

Зачем нужна была эта мистификация? Причина тому — некрасивость Дмитриевой. Есть мнение, что Маковский, редактор журнала «Аполлон», который готовился к печати не без участия Волошина, будучи эстетом вряд ли согласился бы иметь дело с внешне не привлекательной, пусть даже талантливой, барышней. Это никак не вписывалось в аристократическую концепцию журнала.

Розыгрыш удался на славу. Заинтригованный изысканными письмами незнакомки с непростой судьбой, Маковский не на шутку увлекся поэтессой. Дмитриева и Волошин осознали, что рано или поздно нужно будет положить конец этой игре, т.к. ажиотаж вокруг Черубины только нарастал и оставаться безликой долго девушке не удастся.

Проговорившись поэту-переводчику Иоганну фон Гюнтеру об истинном лице, скрывающемся за маской Черубины, Дмитриева положила начало конца мистификации. Тот, в свою очередь, поделился информацией с Михаилом Кузминым, а далее обо всем узнал редактор Маковский, до последнего не веривший в то, что его разыграли.

поэты-дуэлянты
Гумилев Н. и Волошин М.

Узнал о дурной шутке и Н. Гумилев. Когда маски были сброшены, он публично кинул Дмитриевой: «Ты была моей любовницей, на таких не женятся». Волошин, узнав об оскорблении Елизаветы, также публично дал пощечину обиженному когда-то девушкой поэту. Была назначена дуэль, оба поэта остались целы и невредимы, но об этом скверном эпизоде еще долго злословили. Выдуманная Волошиным и Дмитриевой история с Черубиной, начавшаяся незатейливым розыгрышем, завершилась скандально и неловко.

Над схваткой

гости поэта
Волошин в центре

Годы революции и гражданской войны Волошин предпочел остаться на родине. Он говорил: «Когда мать больна — дети ее остаются с нею». Став над схваткой, он всеми силами боролся за «бессмысленное уничтожение» памятников, книг, людей. Так, в 1918 г. его заботами было спасено от разгрома имение Э. А. Юнге, где хранилось множество произведений искусства, редкая библиотека.

праздники в Коктебеле революция

Летом 1919 года Волошин спас от белогвардейского самосуда генерала Н. А. Маркса, видного ученого-палеографа, составителя «Легенд Крыма», который в прошлом имел дело с большевиками. В мае 1920 года, когда белой контрразведкой был раскрыт подпольный большевистский съезд, собравшийся в Коктебеле, один из делегатов нашел приют и защиту в доме Волошина. В конце июля Максимилиан Александрович помог освобождению поэта О. Э. Мандельштама, арестованного белогвардейцами.

Волошин о Крыме

Отношение Волошина к Крыму, как части государства Российского, можно понять из письма к А. Петровой, написанное 10 мая 1918 года: «Крым слишком мало Россия, и в сущности почти ничего кроме зла от русского завоевания не видал за истекшие полтора века. Самостоятельным он быть не может, так как при наличности двенадцати с лишком национальностей, его населяющих, и притом не гнездами, а в прослойку, он не в состоянии создать никакого государства. Ему необходим «завоеватель». Для Крыма, как для страны, выгодно быть в ближайшую эпоху связанным с Германией непосредственно (а не с Украиной и не с Австрией). [… Гораздо сложнее вопрос психологический, для нас русских, связанных всеми корнями своей души с Киммерией. Наша физическая — земная родина хирургически отделяется сейчас от родины духовной Святой Руси)».

дом у моря
дом М. Волошина в Крыму

Личная жизнь

В 1906 году Волошин женился на художнице Сабашниковой Маргарите (Аморя, Маргоря) Этот союз продержался недолго, Сабашникова ушла от Макса к поэту Вячеславу Иванову и его супруге Лидии, решив образовать с ними вместе семью нового типа.

невеста поэта
Маргоря, Маргарита Сабашникова.

В 1922 году, когда в Крыму начался голод, Волошин нанял фельдшера из соседнего селения Заболоцкую Марусю для ухода за своей престарелой матерью. Так, Маруся и осталась в доме поэта на правах жены, хозяйки его дома.

третья жена
Волошин Макс с супругой Марией Степановной

Умер Макс Волошин 11 августа 1932 года, ему было всего 55 лет. Похоронили его на холме Кучук-Енишар, ограничивающем Коктебель слева, так же как Карадаг ограничивает его справа. Марии Степановне удалось сохранить дом поэта, не нарушив его порядков — его двери по-прежнему были широко открыты для поэтов, писателей, художников, да и просто странников.

смерть поэта